Los Vasulka -Steina and Woody Vasulka-

En la decada de los 60, cuando ciertos sectores del mundo occidental que sin mucho que hacer, con las necesidades materiales mas que satisfechas, aburridos de los convencionalismos y las rutinas, se dedicaron a la ardua y poca divertida tarea de expertimentar. Un poco de drogas por aqui, algo de rock por alla, ideas extrañas en ebullición y muchas ganas de joder a la estricta y solemne academia de arte. Entonces llegaron de tierras lejanas Steina (Islandia) and Woody Vasulka (la actual Republica  Checa) al Nueva York sucio y pedante de los 60, decidieron hacer cosas raras con el reciente invento del hombre: el video, alguien le metio el adjetivo de arte y alguna gente (de esos que huelen cocaina) quedo encantada con la nueva novedad. 

Aqui les coloco, uno de esos videoarte, lo pueden considerar aburrido o pueden quedar hipnotizados, a mi me paso las dos cosas... Los Vasulka se dedicaron a distorsionar las imagenes de una manera analógica... no entiendo el como lo hicieron y el porque (aunque no todo tiene que tener un porque), la cuestion es que les quedo bonito con imagenes bien locas y sonidos bastante turbios.  Un video y les dejo un interesante articulo de los Vasulka y el contexto del videoarte. 

El Vocabulario del Video en Woody y Steina Vasulka1

 

Por Simón Pérez Wilson 

Hablar del arribo de los Vasulka a Estados Unidos a mediados de los ‘60, nos obliga a relacionarnos con una escena artística en estado de expansión y de profunda raíz experimental. Los años 60´ presentan un contexto histórico que tiene una correlación con el mundo del arte muy interesante, el mundo fue testigo de una diversidad de acontecimientos y de transformaciones en la cultura y la sociedad. Estos nuevos causes en los campos intelectuales y los circuitos académicos comienzan a transformar la manera en como se relacionan con el conocimiento ya sea por el Mayo del ‘68, los Hippies, las Escuela de Frankfurt en Estados Unidos, los movimientos libertarios y democráticos en Latinoamérica, o por todos ellos unidos, lo cierto es que en varios niveles y de maneras muy distintas en cada uno, la forma en que se comienza a establecer la intelectualidad adquiere un cariz distinto, los estudios culturales, el post estructuralismo, los estudios de género y feministas, la nueva forma de la semiótica son algunos ejemplos de ello. 

En 1965 llegan a Estados Unidos, Steina (Islandia, 1940) y Woody Vasulka (República Checa, 1937) instalándose en Nueva York, en estos años la escena presenta una actividad muy interesante, distintas tendencias cambiaron el rumbo de arte en esta época, desde el traslado de la capital del arte a Nueva York en los años 50´ provocado por una nueva generación de artistas plásticos y musicales de los cuales destaca la figura de Jackson Pollock, William de Kooning, Jasper Johns, Frank Stella entre otros, personajes que algunos de ellos ya habían pasado por el Black Mountain Collage, donde tendencias como la música experimental de Tudor, Mumma y Cage, el Neodada, y el Action Painting comienzan a configurar un espacio abierto a la experimentación y a los procesos creativos. 

Memorias de Katsuhiro Otomo

De la mano de uno de los directores mas reconocidos en el Japon nace una pelicula que consta de tres pequeños, extraños y curiosos episodios.

Catalogados como ciencia ficcion, drama, acción, psicológico y comedia Katsuhiro desea envolver a todo aquel espectador con multiples sutiles detalles visuales.

Memories of Katsuhiro Otomo tambien conocida como Recuerdos peligrosos en algunos paises. Del creador de Akira comparto este corto que se divide en :

Rosa magnética:
Dirigido por Koji Morimoto. Guion por el afamado director de anime Satoshi Kon, basada en una historia de Katsuhiro Otomo. Música de Yoko Kanno.
Nos transporta a una epoca en el futuro. El año 2092, donde viajar por el espacio ya es algo muy comun. Una nave recolectora de basura recibe una llamada de ayuda de parte de una nave abandonada, los tripulantes acuden al llamado pero se encontraran con la sorpresa de que el medio que los rodea juega con sus sentidos, el tiempo y el espacio a fin de confundir su percepción de la realidad pero.... que realidad es esta ???
Contiene un ambiente tecnológico muy denso, hard y ciberpunk. Este es tal vez de los 3 episodios el mas elavorado. Esta historia está inspirada en la vida de la diva de la ópera Maria Callas cuya voz está en el cortometraje.

Bomba fétida:
Dirigida por Tensai Okamura. Historia y guion por Katsuhiro Otomo.
La historia se desarrolla en la actual Japon donde la amenaza terrorista y los peligros de las investigación científicas estan muy latentes. Se le ordena a un centro de investigacion que desarrolle un arma biologica... una que los Estados Unidos de America utilizara. El relato muestra como un joven cientifico por error termina convertido en una arma biologica andante que se dirige hacia Tokio... Aca la interrogante interesante que nos plantea el episodio es: Que harias tu si te conviertes en una arma biologica???

Carne de cañón:
Escrita y dirigida por Katsuhiro Otomo.
Aca se nos presenta una muy bien establecida sociedad donde a manera de metafora y critica nos narra un dia cotidiano de una familia que su trabajo y modo de vida es disparar cañones pero aca la pregunta interesante y sin contestar es... Importa acaso quien es el enemigo???

LA PELICULA CONTIENE LOS 3 EPISODIOS.

Links de descarga

Parte 1: http://file.karelia.ru/f93twf/ 95.8 mb

Parte 2 : http://file.karelia.ru/tgnq9v/ 95.8 mb

Parte 3 : http://file.karelia.ru/75v29t/ 95.8 mb

Parte 4 : http://file.karelia.ru/krg79s/ 95.8 mb

Parte 5 : http://file.karelia.ru/72q2dq/ 95.8 mb

parte 6 : http://file.karelia.ru/8k7r93/ 95.8 mb

Parte 7 : http://file.karelia.ru/z82jsf/ 95.8 mb

Parte 8 : http://file.karelia.ru/zr56fd/ 20.9 mb

Foutaises; Things I Like, Things I Dont´t Like (1989) - Jean-Pierre Jeunet

Realizado por Jean-Pierre Jeunet el mismo tipo que hizo Amelie, Delicatessen, La Cité des enfants perdus...  Foutaises es un entretenido corto con una bonita fotografia donde observamos las cosas que "le gusta y no le gusta" al extravagante Dominique Pinon. 

Slavoj Žižek. Boinas verdes con rostro humano.

Cuando En tierra hostil, de Kathryn Bigelow, consiguió los principales oscars frente a Avatar, de James Cameron, esa victoria fue percibida como una buena señal del estado de cosas en Hollywood: una modesta producción pensada para festivales tipo Sundance, y que en muchos países ni siquiera había obtenido una gran distribución, supera claramente a una superproducción cuya brillantez técnica no puede disimular la plana simplicidad de su argumento. ¿Así que Hollywood no es solamente una fábrica de grandes éxitos de taquilla, sino que todavía sabe apreciar esfuerzos creativos marginales?

Es posible, aunque habría que matizar: con todas sus mistificaciones, Avatar toma partido claramente por los que se oponen al complejo industrial-militar mundial, retratando al Ejército de la superpotencia como una fuerza de destrucción brutal al servicio de grandes intereses industriales, mientras En tierra hostil presenta al Ejército norteamericano de un modo plenamente acorde con su propia imagen pública en este nuestro tiempo de intervenciones humanitarias y de pacifismo militarista.

La película ignora casi por completo el gran debate sobre la intervención de Estados Unidos en Irak, y en lugar de ello se centra en las terribles experiencias diarias, de servicio y fuera del mismo, de soldados corrientes obligados a convivir con el peligro y la destrucción. Con un estilo seudodocumental cuenta la historia -o más bien, una serie de viñetas- de una brigada del servicio de artificieros, de su trabajo potencialmente mortal en la desactivación de explosivos. Esa opción es sumamente sintomática: a pesar de ser soldados, ellos no matan sino que arriesgan diariamente sus vidas desmantelando bombas terroristas destinadas a matar civiles. ¿Puede haber algo con lo que simpaticen más nuestros ojos progresistas? En la Guerra contra el Terror en curso, ¿no están nuestros ejércitos, incluso cuando bombardean y destruyen, y no sólo tales unidades de artificieros, desactivando pacientemente las redes terroristas con el fin de hacer más seguras las vidas de civiles en todos lados?

Pero hay más en la película. En tierra hostil incorpora a Hollywood una moda que también ha contribuido al éxito de dos recientes películas israelíes sobre la guerra del Líbano en 1982, el documental animado de Ari Folman Vals con Bashir, y Líbano, de Samuel Maoz. Líbano versa sobre los propios recuerdos de Maoz como joven soldado, mostrando el miedo a la guerra y a la claustrofobia mediante la filmación de la mayor parte de la acción desde el interior de un tanque. El filme nos presenta a cuatro inexpertos soldados dentro de un tanque enviados a "limpiar" una ciudad libanesa que ya ha sido bombardeada por la fuerza aérea israelí. Entrevistado en el Festival de Venecia de 2009, Yoav Donat, el actor que interpreta al director cuando éste era soldado un cuarto de siglo antes, dijo: "No es una película que te hace pensar 'sólo estoy en una película'. Es una película que te hace sentir que has estado en la guerra". De una manera parecida, Vals con Bashir muestra los horrores del conflicto de 1982 desde el punto de vista de unos soldados israelíes.

Old Cartoons are Crazy - Viejas Caricaturas

Una recopilacion de simpaticas y algo loquillas caricaturas del pasado.

The toons:
Gertie the Dinosaur, 1914
Fantasmagorie, 1908
Betty Boop in Snow White, 1933
Steamboat Willie, 1927
The Skeleton Dance, 1929
Humorous Phases of Funny Faces, 1906
Koko's Earth Control, 1928

The tunes:
Crystal Castles - Reckless

Homo Modernus, Tractatus Philosophicus -Claudio Molinari-

· Dirección: Iñigo Orduña y Claudio Molinari
· Animación y postproducción: Iñigo Orduña
· Traducción: Ivan Bergquist
· Locución: Sally Blips

Basado en el texto original de Claudio Molinari.

http://claudiomolinari.wordpress.com/

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LAS FIGURAS DEL EROTISMO EN SADE Y EL CINE. ENTREVISTA A MICHEL FOUCAULT.

C: Cuando Ud. va al cine, ¿se siente impresionado por el sadismo de ciertas películas recientes que transcurren dentro de un hospital, o como en el último Pasolini, dentro de su una falsa prisión?

M.F.: Me sentía impresionado -al menos hasta estos últimos tiempos- por la ausencia de sadismo y la ausencia de Sade. Por otra parte, ambas cosas no son equivalentes. Puede haber Sade sin sadismo y sadismo sin Sade. Pero dejemos de lado el problema del sadismo que es más delicado, y quedémonos en Sade. Creo que no hay nada más alérgico al cine que la obra de Sade. Entre las numerosas razones, primero está la meticulosidad, el ritual, la forma de ceremonia rigurosa que toman todas las escenas de Sade y excluyen todo lo que podría ser juego suplementario de la cámara. La mínima adición, la mínima supresión, el más pequeño ornamento son insoportables. Ningún fantasma abierto, más bien una reglamentación cuidadosamente programada. En cuanto alguna cosa falta o viene sobreimpresa, todo se vuelve una chapucería. Ningún lugar para una imagen. Los blancos sólo deben ser llenados por los deseos y los cuerpos.

C: En la primera parte de "El Topo" de Jodorowsky, hay una orgía sanguinaria, un descuartizamiento de cuerpos bastante significativo. ¿El sadismo en el cine no es en principio la manera de tratar a los actores y a sus cuerpos? ¿Las mujeres en particular no son (mal) tratadas como los apéndices de un cuerpo masculino?

M.F.: La manera en la que se trata al cuerpo en el cine contemporáneo es algo muy novedoso. Véanse los besos, los rostros, los labios, las mejillas, los párpados, los dientes, en una película como "La muerte de María Malibrán" de Werner Schroeter. Llamar a eso sadismo me parece completamente falso, si no el retorno de un vago psicoanálisis donde la cuestión sería el objeto parcial, el cuerpo fragmentado, la vagina dentada. Hay que volverse a un freudismo de muy baja calidad para rebajar al sadismo a esta manera de hacer cantar a los cuerpos y a sus prodigios. Hacer de un rostro, de un pómulo, de los labios, de una expresión de los ojos, hacer de ellos lo que hace Schroeter no tiene nada que ver con el sadismo. Se trata de una desmultiplicación, de una efervescencia del cuerpo, una exaltación de cierto modo autónoma de sus mínimas partes, de las menores posibilidades de un fragmento del cuerpo. Existe allí una anarquización del cuerpo en la que las jerarquías, las localizaciones, las denominaciones, la organicidad, si así lo prefiere, se están deshaciendo.

Mientras que en el sadismo es el órgano en sí mismo el objeto del encarnizamiento. Tienes un ojo que mira, yo te lo arranco. Tienes una lengua que he tomado entre mis labios y mordido, voy a cortártela. Con esos ojos no podrás ver más, con esa lengua no podrá ni comer ni hablar nunca más. En Sade el cuerpo es aún definidamente orgánico, anclado en esa jerarquía. La diferencia reside, claro está, en que esa jerarquía no se organiza, como en la vieja fábula, a partir de la cabeza sino a partir del sexo. Mientras que en ciertas películas contemporáneas, la manera en la que se hace escapar al cuerpo de sí mismo es muy distinta. Se trata justamente de desmantelar esa organicidad: no es más una lengua, es algo diferente a una lengua que sale de una boca, no es el órgano de la boca profanado y destinado al placer de otro. Es una cosa "innombrable", "inutilizable", fuera de todos los programas del deseo; es el cuerpo vuelto enteramente plástico por el placer: algo que se abre, que se alarga, que palpita, que sacude, que abre. En "La Muerte de María Malibrán", la manera en la que se besan las dos mujeres, ¿qué es? Dunas de arena, una caravana en el desierto, una flor voraz que avanza, mandíbulas de insecto, una anfractuosidad al ras de la hierba. Antisadismo de todo eso. Para la ciencia cruel del deseo, nada que hacer con esos pseudopodos informes que son los movimientos lentos del placer-dolor.