28.7.12

LAS FIGURAS DEL EROTISMO EN SADE Y EL CINE. ENTREVISTA A MICHEL FOUCAULT.




C: Cuando Ud. va al cine, ¿se siente impresionado por el sadismo de ciertas películas recientes que transcurren dentro de un hospital, o como en el último Pasolini, dentro de su una falsa prisión?
M.F.: Me sentía impresionado -al menos hasta estos últimos tiempos- por la ausencia de sadismo y la ausencia de Sade. Por otra parte, ambas cosas no son equivalentes. Puede haber Sade sin sadismo y sadismo sin Sade. Pero dejemos de lado el problema del sadismo que es más delicado, y quedémonos en Sade. Creo que no hay nada más alérgico al cine que la obra de Sade. Entre las numerosas razones, primero está la meticulosidad, el ritual, la forma de ceremonia rigurosa que toman todas las escenas de Sade y excluyen todo lo que podría ser juego suplementario de la cámara. La mínima adición, la mínima supresión, el más pequeño ornamento son insoportables. Ningún fantasma abierto, más bien una reglamentación cuidadosamente programada. En cuanto alguna cosa falta o viene sobreimpresa, todo se vuelve una chapucería. Ningún lugar para una imagen. Los blancos sólo deben ser llenados por los deseos y los cuerpos.

C: En la primera parte de "El Topo" de Jodorowsky, hay una orgía sanguinaria, un descuartizamiento de cuerpos bastante significativo. ¿El sadismo en el cine no es en principio la manera de tratar a los actores y a sus cuerpos? ¿Las mujeres en particular no son (mal) tratadas como los apéndices de un cuerpo masculino?
M.F.: La manera en la que se trata al cuerpo en el cine contemporáneo es algo muy novedoso. Véanse los besos, los rostros, los labios, las mejillas, los párpados, los dientes, en una película como "La muerte de María Malibrán" de Werner Schroeter. Llamar a eso sadismo me parece completamente falso, si no el retorno de un vago psicoanálisis donde la cuestión sería el objeto parcial, el cuerpo fragmentado, la vagina dentada. Hay que volverse a un freudismo de muy baja calidad para rebajar al sadismo a esta manera de hacer cantar a los cuerpos y a sus prodigios. Hacer de un rostro, de un pómulo, de los labios, de una expresión de los ojos, hacer de ellos lo que hace Schroeter no tiene nada que ver con el sadismo. Se trata de una desmultiplicación, de una efervescencia del cuerpo, una exaltación de cierto modo autónoma de sus mínimas partes, de las menores posibilidades de un fragmento del cuerpo. Existe allí una anarquización del cuerpo en la que las jerarquías, las localizaciones, las denominaciones, la organicidad, si así lo prefiere, se están deshaciendo.
Mientras que en el sadismo es el órgano en sí mismo el objeto del encarnizamiento. Tienes un ojo que mira, yo te lo arranco. Tienes una lengua que he tomado entre mis labios y mordido, voy a cortártela. Con esos ojos no podrás ver más, con esa lengua no podrá ni comer ni hablar nunca más. En Sade el cuerpo es aún definidamente orgánico, anclado en esa jerarquía. La diferencia reside, claro está, en que esa jerarquía no se organiza, como en la vieja fábula, a partir de la cabeza sino a partir del sexo. Mientras que en ciertas películas contemporáneas, la manera en la que se hace escapar al cuerpo de sí mismo es muy distinta. Se trata justamente de desmantelar esa organicidad: no es más una lengua, es algo diferente a una lengua que sale de una boca, no es el órgano de la boca profanado y destinado al placer de otro. Es una cosa "innombrable", "inutilizable", fuera de todos los programas del deseo; es el cuerpo vuelto enteramente plástico por el placer: algo que se abre, que se alarga, que palpita, que sacude, que abre. En "La Muerte de María Malibrán", la manera en la que se besan las dos mujeres, ¿qué es? Dunas de arena, una caravana en el desierto, una flor voraz que avanza, mandíbulas de insecto, una anfractuosidad al ras de la hierba. Antisadismo de todo eso. Para la ciencia cruel del deseo, nada que hacer con esos pseudopodos informes que son los movimientos lentos del placer-dolor.

26.7.12

Flying Padre (1951) -Stanley Kubrick-




El segundo cortometraje de Stanley Kubrick, un documental que retrata la vida del padrecito Stadmuller en las zonas rurales de Nuevo Mexico, y como este viaja en su avioneta "Espiritu de San Jose" para llegar a las muchas parroquias que tiene como encargo, donde además el bondadoso padre utiliza su super bendita avioneta para ayudar el projimo tal como lo mando su santisima profesión.
Este simpatico corto es considerado no solo por los criticos sino tambien por Kubrick, como algo así, una mancha en su brillante curriculum, hasta considerandolo por Kubrick como un corto "tonto"... esta en lo correcto, es algo torpe el bendito corto, por eso y con mucha más razón lo coloco en el blog... para ustedes el "Padre volador":




20.7.12

Le Voyage Dans la Lune (1902) - Georges Méliès




Le Voyage dans la Lune (titulada Viaje a la Luna en español) es una película francesa de 1902, en blanco y negro, muda y de ciencia ficción dirigida por Georges Méliès y escrita en compañía de su hermano mayor Gaston Méliès. Está basada en dos grandes novelas literarias, que son: "De la Tierra a la Luna", de Julio Verne y "Los primeros hombres en la Luna", de Herbert George Wells.  Le Voyage dans la Lune es una película muy popular actualmente, y la crítica de cine la reconoce como la más importante de las creaciones cinematográficas de Georges Méliès y de la ciencia ficción. Además es, en cierto modo, el primer filme de ciencia ficción de la historia del cine. La imagen de la cara de la Luna recibiendo el impacto de un cohete espacial disparado por una bala de cañón, es uno de los planos más conocidos de la historia del cine.
Méliès intentó distribuir comercialmente el filme en Estados Unidos, pero técnicos que trabajaban para Thomas Alva Edison lograron hacer copias del film y las distribuyeron por todo el país. A pesar de que fue un éxito en ese país, Méliès no quiso recibir dinero por su explotación. (wiki)




¡Bienvenidos al desierto de lo real! II -Slavoj Žižek-





Zizek nos enseña el cine como ideología:

"La última fantasía paranoica norteamericana es la de un individuo que vive en un idílico pueblo californiano, un paraíso del consumo, y de pronto comienza a sospechar que el mundo en el que vive es una farsa, un espectáculo montado para convencerlo de que vive en la realidad, un show en el que todos a su alrededor son actores y extras. El ejemplo más reciente de esto es The Truman Show, de Peter Weir, en la que Jim Carrey encarna al empleado local que gradualmente descubre la verdad: que él es el héroe de un show televisivo transmitido las 24 horas, y que su pueblo es, en rigor, un gigantesco set de filmación por el que las cámaras lo siguen sin interrupción. Entre sus predecesores, vale la pena mencionar la novela Time Out of Joint (1959) de Philip K. Dick, en la que el héroe vive en un idílico pueblo californiano a fines de los 50, y gradualmente descubre que toda la ciudad es una farsa montada para mantenerlo satisfecho….La experiencia subyacente de Time Out of Joint y de The Truman Show es que el paraíso del consumo capitalista es, en su hiperrealidad, de algún modo IRREAL, insustancial, privado de toda inercia material.

De modo que no sólo Hollywood pone en escena un semblante de la vida real despojada del peso y la inercia de la materialidad – en la sociedad consumista del capitalismo tardío, la “autentica vida social” adquiere de algún modo los rasgos de una imitación organizada, con nuestros vecinos comportándose en la “vida real” como actores y extras en un escenario… De nuevo, la última verdad de la des-espiritualización del universo del capitalista utilitario es la des-materialización de la propia “vida real”, su inversión en una show espectral. Entre otros, Christopher Isherwood expreso esta irrealidad de la vida diaria americana, ejemplificándolo en el cuarto de motel: “¡Los moteles americanos son irreales! /… / ellos se diseñan deliberadamente para ser irreales. /… / Los europeos nos odian porque nos hemos retirado a vivir dentro de nuestros anuncios, como ermitaños que entran en sus cuevas para contemplar”. La noción de “esfera” de Peter Sloterdijk está literalmente aquí comprendido, como una gigantesca esfera de metal que envuelve y aísla la ciudad entera. Hace unos años, una serie de películas de ciencia-ficción como Zardoz o Logan’s Run previeron la dificultad posmoderna de hoy extendiendo esta fantasía a la propia comunidad: el grupo aislado vive una vida aséptica en un área apartada, anhela la experiencia del mundo real de la decadencia material.

The Matrix (1999), el éxito de los hermanos Wachowski, llevó esta lógica a su clímax: la realidad material en la que vivimos es virtual, generada y coordinada por una mega-computadora a la que todos estamos conectados; cuando el héroe (interpretado por Keanu Reeves) despierta a la “realidad real”, lo que ve es un paisaje desolado, sembrado de ruinas humeantes: lo que quedó de Chicago después de una guerra mundial. Morpheus, el líder de la resistencia, lo recibe con ironía: “Bienvenido al desierto de lo real”. ¿No fue algo de un orden similar lo que sucedió en Nueva York el 11 de setiembre? Sus ciudadanos fueron introducidos al “desierto de lo real”; a nosotros, corrompidos por Hollywood, la imagen de las torres derrumbándose no pudo sino recordarnos las pasmosas escenas de las grandes producciones del cine catástrofe. Cuando escuchamos hablar de lo inesperados que resultaron los atentados, deberíamos recordar la otra catástrofe crucial, a comienzos del siglo XX: la del “Titanic”. Aquello fue un shock porque, en la fantasía ideológica, el transatlántico era el símbolo de la civilización industrial del siglo XIX. ¿Se puede afirmar lo mismo de los atentados?

17.7.12

Silly Symphonies




Ante la pereza de poner toda la historia de Silli Symphony mejor copio y pego el articulo de Wiki. Nada más decir que estos cortos animados son tan buenos, bizarros y graciosos fuera de todo ese conservadurismo aburrido de algunas producciones animadas digitales de hoy en dia. Algunos de estos cortos son claramente incorrectos, algo de racistas con eso de representar los estereotipos de ciertos grupos... son producciones de finales del 20 y del 30, dudo que existiera la misma imagen que consideramos actualmente lo politicamente correcto. Aun asi no le quitan lo buen realizado y tecnica a los dibujos. Lo mejor de todo es que siempre bailan :-)

*Silly Symphonies  fue una serie de cortometrajes animados producidos por Walt Disney Productions entre 1929 y 1939. A diferencia de las series de Mickey Mouse, Silly Symphonies no usaba personajes continuos... Los cortos originales en blanco y negro de Silly Symphonies, producidos entre 1929 y 1932 y distribuidos por Celebrity Productions (1929 - 1930) y Columbia Pictures (1930 - 1932), no tuvieron un gran éxito, con la excepción del episodio piloto, The Skeleton Dance. Gran parte de los cines se negaron a emitir dibujos animados que no tuvieran algún personaje estrella, y Silly Symphonies fue visto como animación de bajo nivel. De hecho, cuando Disney comenzó a distribuir su producto por Estados Unidos en 1932, United Artists rehusó distribuir Silly Symphonies a menos que Disney lo asociara con Mickey Mouse de alguna manera, como resultado al principio de cada episodio aparecía una imagen que decía "Mickey Mouse presenta Silly Symphony" y posters que introdujeron y promovieron la serie durante sus cinco años en United Artists.* (wiki)



11.7.12

Entrevista a Woody Allen por Fernando Trueba



 Entrevista realizada por el realizador español Fernando Trueba al odiado y aun más odiado newyorkino (neoyorkino?) Woody Allen. Son de esas buenas entrevistas donde tocan de todo, opinan de otros directores y peliculas, y hablan sobre los temas recurrentes de sus obras; no son de esas entrevistas aburridas hechas para el markentig (aunque actualmente la minima accion es publicidad...) donde se promociona la ultima pelicula de cierto tipo.
(Hotel Ritz, París. 23 de diciembre de 1994. 5:30 de la tarde)

La primera vez que oí hablar de Woody Allen fue en un artículo que Umberto Eco escribió sobre él y que aquí tradujo "Triunfo". Se había estrenado "Toma el dinero y corre" en verano y de tapadillo. Fuí a verla y, desde entonces, se convirtió en una de esas películas que ves cada vez que tienes oportunidad. Y en aquellos años la ví muchas, muchas veces, como tantos otros de mi generación, que conocíamos de memoria cada gag y cada diálogo. Y reíamos recordándonoslos los unos a los otros. Esto se repetiría con cada nueva película de Woody Allen, que se convertiría en alguien cercano, familiar. En nuestro humorista de cabecera. 
Pero unos años más tarde, a mediados de los setenta, con "Annie Hall", Woody dió un salto cualitativo importante. Además de seguir siendo el cómico más divertido, se convirtió en uno de los mejores cineastas de su generación. Y, ya en los ochenta, con películas cómo "Hannah y sus hermanas", "Broadway Danny Rose", "Zelig" y "La Rosa Púrpura del Cairo" en el mejor cineasta vivo en ejercicio, al menos en la opinión de quien esto escribe. Incluso cuando se equivoca, es siempre interesante y divertido. Y sobre todo, inteligente. En los últimos años, ha realizado tres obras maestras: "Delitos y faltas", "Maridos y mujeres" y, ahora, "Balas sobre Broadway".
 
Voy a verle, acompañado por mi hermano David, a París, donde se encuentra haciendo promoción de su última película. La conversación tiene lugar en el Ritz de la plaza Vendôme, que para mí no es sino el decorado de una de las películas de mi vida: "Ariane" (Love in the afternoon), el romántico homenaje de Billy Wilder a su maestro Lubitsch. 
 Lleva todo el día contestando entrevistas, pero desde el primer momento se le nota que hace un auténtico esfuerzo por estar cordial y no parecer harto o cansado. Es tan tímido como educado. Se sienta a mi derecha: "Es mi oído bueno".


Empezamos a hablar y le comento que se está convirtiendo en un género, a juzgar por la cantidad de imitadores, está creando escuela, cosa que supongo que a alguien como él le horrorizará. 
-Es curioso. Cuando haces muchas películas, y yo he hecho muchas, se convierten en un género porque todas tienen un cierto tipo de cosas comunes. Pero eso no es un género en sí mismo sino que la cosa común eres tú. 

-Por ejemplo, una película como "Cuando Harry encontró a Sally" es una película "a la Woody Allen", por cierto muy buena
-Sí, me gusta esa película. Cuando la ví me pareció muy divertida. Aunque lo divertido es comprobar que hizo mucho más dinero que cualquier película mía. Me gustó, pero me sorprendió hasta qué punto hizo mucho más dinero que las mías. Es una gran película, se lo merecía. 

10.7.12

Cashback (2004) - Sean Ellis




Este es el corto que luego se hizo largometraje, realizado por el britanico Sean Ellis. El corto fue más aceptado en los festivales de cine que el mismo largometraje lanzado en el 2006, gano varios premios en festivales y hasta estuvo nomidado a los premios Oscar en el mejor corto.









9.7.12

Robert Morgan -2 CORTOS-




No hay mucha informacion de este tipo. Director, escritor y animador; sus cortos se centran entre lo terrorifico y la fantasia, con la tecnica de Stop-Motion que va desde la pura animacion y en combinacion con la accion real.

 



2001 - THE CAT WITH HANDS (subt)

 Un hombre mayor cuenta a un joven callado que le acompaña la leyenda de un gato que quería convertirse en humano. (FILMAFFINITY)





2003 - THE SEPARATION 


La separación de dos hermanos siameses puede ser complicada... y dolorosa. (FILMAFFINITY)



  

4.7.12

Corazón Delator (1953) cuento de Edgar Allan Poe.




*Cuenta la historia de un joven empleado comienza a obsesionarse con el ojo ciego del anciano con el cual convive. Su visión termina resultándole insoportable.*

The Tell-Tale Heart, este corto animado britanico esta basado en el cuento homonimo de Edgar Allan Poe, fue narrado por James Mason famoso actor que en su tiempo lubricaba a todas las chicas y señoras del occidente. Fue dirigido por Ted Parmelee... corto que posee unos dibujos geniales (como los que ya no se hacen ahora en el cine animado) que asemeja a un collage de recortes, además con una atmosfera de surrealismo terrorifico. Como dato interesante, fue la primera animacion con clasificacion Rated X, solo para audiencia adulta, parece que los relatos de Poe no eran bien vistos dentro de la mente de los niños y pubertos. Fue nominada a los premios de la Academia como mejor corto de animacion. 




2.7.12

Las Trampas del Gas (2012) - Pablo Ortega




Seguramente Pablo Ortega sea uno de los mejores documentalistas en Costa Rica, realizador de documentales criticos, contestarios y con humor, un humor triste... Hacer eso le ha traido problemas en esta aldea, pero que importa más que este problema. 

"Documental satírico de 22 minutos de duración producido por la Escuela de Biología de la Universidad de Costa Rica, que discute el posible impacto que las técnicas de extracción de gas natural, conocidas como fracturación hidráulica o "fracking", podrían tener sobre el recurso hídrico costarricense."



ir arriba